Cómo escribir música para jóvenes músicos

Muchos compositores se abstienen de escribir música para músicos jóvenes, pensando que esto es una “degradación” de sus talentos o una pérdida de tiempo imprudente con músicos que tienen poco interés en su trabajo. Pero nada más lejos de la realidad.

Durante los últimos veinte años, he fomentado una doble trayectoria profesional escribiendo para conjuntos profesionales y escribiendo música pedagógica para jóvenes músicos. Cuando estaba en la escuela, comencé a dar clases particulares de piano y composición a niños por necesidad de pagar las cuentas, pero me encantaba. Sin embargo, descubrí que el repertorio pedagógico carecía de música de calidad que reflejara los sonidos de hoy, y comencé a escribir música para enseñar a mis propios estudiantes. Esto evolucionó hasta conseguir encargos y residencias para trabajar con jóvenes músicos en una variedad de entornos. A partir de estas experiencias, he encontrado una manera que, para mí, hace que componer para jóvenes músicos sea extremadamente gratificante tanto en términos artísticos como de objetivos personales.

A continuación he recopilado una "hoja de trucos" con pautas que me han ayudado a la hora de escribir música para músicos jóvenes. Aunque componer para estudiantes nos hace pensar a la mayoría en niños, estos consejos se pueden aplicar a la creación de música para todos los aspirantes a músicos, ya tengan ocho u ochenta años.

Conozca a sus jugadores

Este es quizás el aspecto más importante de la escritura para los estudiantes. Es vital tomarse el tiempo para conocerlos como músicos y como personas. Escúchelos tocar, hágales preguntas sobre qué música les gusta y qué no les gusta, hágase una idea de sus personalidades. Hable con sus profesores de música para obtener una evaluación clara de sus habilidades técnicas. Al hacer esta investigación previa a la composición, logrará dos cosas. A nivel musical, obtendrá información valiosa sobre sus habilidades musicales, datos que encontrará esenciales para escribir una pieza exitosa. A nivel extramusical, al permitir que los estudiantes compartan con usted sus ideas, confiarán en usted y sentirán que tienen un interés en la composición, que está escribiendo específicamente para ellos. Creo que esto se traduce en que realmente disfrutan más de la música. Luego, ponen más esfuerzo y atención en aprender la obra, lo que hace que la interpretación sea exitosa.

Deja que los jugadores te conozcan

De la misma manera, tómate el tiempo de dejar que los músicos sepan quién eres. Comparte con ellos tus propias experiencias personales como músico joven, quizás incluso tocando algunas de tus primeras composiciones. Anímalos a que te hagan preguntas y a que te den una respuesta honesta, incluso si es “no sé”. Los niños tienen el mejor radar para la falta de sinceridad y si te das aires o eres distante con ellos, ya estás saboteando tu proyecto. Sin embargo, si te tomas el tiempo de compartir tu música y a ti mismo, no solo te ganarás su respeto sino también su confianza para probar tu música, algo completamente nuevo, sin dudarlo. (¿Con qué frecuencia obtienes eso en los conciertos profesionales?)

Si usas tecnología, hazla SIMPLE, SIMPLE, SIMPLE

Hoy en día, muchos de nosotros incorporamos componentes electrónicos a nuestros equipos, desde un sintetizador o amplificador hasta elaborados elementos multimedia y de procesamiento informático. Los niños de hoy son muy expertos y están muy interesados ​​en este ámbito, ¡y es posible que te sorprendas gratamente de la cantidad de información que pueden proporcionarte sobre tu equipo!

Sin embargo, puede que no sea así en el caso de las escuelas o los profesores. Especialmente en las escuelas públicas, a menudo el único sistema de sonido es el sistema de megafonía que utilizan para los anuncios. Las computadoras están totalmente anticuadas y los profesores no tienen experiencia con gran parte de la tecnología musical disponible, incluso a nivel de estudiantes.

Esto no significa que tengas que eliminar esa pista ambiental genial que querías superponer al coro. En mi experiencia, tienes dos opciones: o bien proporcionas todo tu propio equipo, o bien simplificas la tecnología para que pueda ser transferida a sus recursos. Por ejemplo, una vez hice una residencia con una escuela pública en Connecticut para la que me pidieron que escribiera una pieza coral que incluyera una computadora, ya que querían comenzar a incorporar tecnología a su programa de música. Bueno, su equipo consistía en un viejo teclado Casio, una computadora de los años 90 y un programa de secuenciación musical gratuito muy básico. Decidí no usar mi software profesional y, en su lugar, utilicé archivos MIDI que se podían transferir fácilmente a su computadora. En cuanto a los sonidos, pude encontrar algunos tonos mecánicos seleccionados que utilicé como alegorías musicales de los personajes que había escrito en el texto de la pieza coral, una historia sobre robots. Finalmente, elegí a un estudiante para que fuera mi chico de la computadora, un chico con habilidades informáticas avanzadas pero que nunca podía quedarse quieto en los ensayos. Todo salió a la perfección. A los niños les gustaron los extravagantes bucles que formaban sus piezas, y mi técnico hizo un trabajo estelar, concentrando toda su energía en su tarea y convirtiéndose en un miembro valioso del equipo.

Componga una pieza que se base en las fortalezas de los intérpretes y luego concéntrese en uno o dos elementos musicales nuevos para dominar.

A los niños les encantan los desafíos, pero al mismo tiempo necesitan sentir que están a la altura de ellos. Cuando compongo para músicos jóvenes, siempre tengo esto en cuenta y estructuro la obra en consecuencia. Lo hago componiendo una pieza que incorpora las fortalezas musicales de los estudiantes y, al mismo tiempo, me concentro en una o dos nuevas habilidades que deben dominar. Por ejemplo, una vez le di clases de piano a un estudiante de 11 años que tenía un gran oído para el ritmo y la armonía, pero tenía dificultades con su capacidad de lectura. Al componer un dúo para él, me concentré en estructurar su parte en torno a una progresión de acordes bitonales que cambiaba su patrón en solo una o dos notas. Luego superpuse un patrón cíclico rítmico que compensé utilizando acentos y cambios de compás. Al incorporar un lenguaje armónico picante y un estilo rítmico, atraje a Tommy hacia la pieza. Una vez que se metió en ella, el desafío de tener que concentrarse en la lectura interválica no fue una tarea abrumadora, sino un paso en el que podía concentrarse y dominar, ya que los demás elementos estructurales ya estaban dentro de su dominio técnico.

• Muestra de MP3 de “Tommy's Tune”

Los límites son posibilidades

Todos tenemos nuestras fortalezas y debilidades en cualquier actividad que hagamos. Los músicos jóvenes, en particular, tienen áreas tanto en su técnica como en su musicalidad que simplemente no han madurado al nivel de un intérprete avanzado. Si bien muchos pueden ver esto como un obstáculo para la habilidad compositiva de uno, yo lo veo como una posibilidad de poner a prueba mis dotes compositivas, por así decirlo. Por ejemplo, cuando era compositor residente en el Conservatorio de San Francisco, me pidieron que escribiera una pieza para orquesta de cuerdas para músicos principiantes. Sin embargo, nadie mencionó lo “principiantes” que eran. Al conocer a los estudiantes y profesores, descubrí que los alumnos de quinto grado solo habían estado tocando sus instrumentos durante dos meses. Nunca habían leído música y solo habían aprendido de memoria las frases iniciales de “Twinkle, Twinkle, Little Star”. Eso fue todo. Bueno, decidí crear una pieza “postminimalista” basada en cuerdas abiertas y las melodías y ritmos de la variación de “Twinkle” que conocían. Cada parte tenía solo dos patrones para aprender que se combinaban entre sí en varias combinaciones. En contrapartida, presenté una melodía y una contramelodía para que las tocaran los profesores. El resultado fue una pieza de conjunto caleidoscópica que todos los estudiantes dominaron en cuestión de semanas. Lo hicieron muy bien, con solo tres ensayos frente a un director (yo). A los niños y al público les gustó la pieza y yo, como compositor, sentí que fue un éxito, tanto por cómo sonaba como por cómo me esforcé al abordar el desafío de escribir para estos músicos novatos.

El estilo no importa, siempre y cuando les des algo a lo que 'aferrarse'

En mi experiencia, he descubierto que los estudiantes están más abiertos a la música experimental que los profesionales. ¿Por qué? A diferencia de nosotros, ellos aún no han formado completamente sus opiniones sobre lo que les gusta y lo que no. Los estudios han demostrado, de hecho, que el proceso de aprender a tocar un instrumento (ya seas joven o viejo) crea nuevas vías neuronales en el cerebro. Así que ahora es tu oportunidad de adoctrinar a los jóvenes en la música noise o el arte escénico, sea lo que sea lo que te guste.

Sin embargo, para garantizar el éxito, es útil contextualizarlo en el marco de algo con lo que ya están familiarizados. Por ejemplo, como miembro del colectivo Common Sense Composers, a mí y a mis siete compañeros se nos pidió que escribiéramos ocho piezas para dos escuelas secundarias de Albany, Nueva York, como parte del New American Music Festival.

Bueno, en nuestro espíritu de colaboración, decidimos crear nuestras piezas basándonos en una canción que eligieron los estudiantes. Los chicos votaron y la ganadora fue “Zoot Suit Riot”. Cada compositor tenía una interpretación diferente, especialmente mi querido colega John Halle. Un activista político, decidió basar su música en los disturbios políticos reales de Zoot Suit. En su pieza, creó un paisaje sonoro cuasi tonal/ruido/arrítmico desde el cual los diferentes miembros de la banda se pusieron de pie y declamaron la historia de la revuelta de los inmigrantes. El aspecto de arte escénico no desconcertó a los músicos, sino que los atrajo porque era nuevo y atrevido, pero los conectó con algo que ya conocían y amaban. Así que puedes improvisar, puedes hacer tonos scratch, puedes hacer multifónicos, puedes hacer rap, puedes hacer lo más abstracto imaginable, siempre y cuando obtengas la confianza de los músicos y lo enmarques en algo que ya conozcan.

A lo largo de los años he aprendido muchas otras lecciones individuales, pero las pautas anteriores son las que siempre aplico a cualquier proyecto de composición que involucre a jóvenes intérpretes. Si hay algo que diría que hay que tener siempre en cuenta es que, como dice el compositor Dan Becker, "Simple no significa simplista". Eso significa confiar en que, siempre que se tengan en cuenta las necesidades y habilidades del intérprete, se puede escribir una pieza fascinante y musicalmente desafiante que sea técnicamente alcanzable para los jóvenes intérpretes.

Por eso, los invito a explorar este campo en gran parte inexplorado para los compositores: escribir para aficionados. No sólo les resultará una experiencia enriquecedora y única, sino que también estarán haciendo una inversión a corto y largo plazo en su arte. No puedo empezar a decirles con qué frecuencia mis trabajos educativos han ayudado a crear notoriedad y a un público más amplio para mis otros proyectos. También debemos darnos cuenta de que los niños de hoy serán el público y los músicos del mañana. Y cuanto más escuchen y toquen música nueva, más posibilidades tendremos de hacer de la música nueva no comercial un hilo conductor vital en el tejido de la cultura estadounidense en los próximos años.