Véndelo a los niños: un manifiesto para compositores
Hace cuatro años, tuve el privilegio de escribir un artículo semanal en Chatter para NewMusicBox, con un enfoque inicial en la composición de música para jóvenes intérpretes. Vi la columna como una oportunidad para abordar un problema que vi a lo largo de mis años como compositor y profesor. Es decir, la mayoría de los compositores estadounidenses con formación clásica no se toman en serio la escritura de música para niños. Nos guste o no, parece que hay una actitud elitista que impregna nuestro pensamiento sobre el repertorio contemporáneo. Si es para un conjunto virtuoso, genial, la música tiene mérito. Si es para un coro escolar, bueno, eso es útil para la comunidad, pero ¿realmente está haciendo una declaración "artística"? Me molestaba incansablemente cuando encontraba algún texto o conversación que lamentaba la desaparición del interés en la nueva música. Sentí que la nueva comunidad musical era parcialmente responsable de no nutrir su crecimiento en el nivel más fundamental. Si los instrumentistas no están expuestos a la nueva música cuando están aprendiendo a tocar, naturalmente van a estar mucho más inhibidos a la hora de intentarlo cuando hayan terminado sus estudios. Cualquiera que trabaje en publicidad o marketing sabe que la mejor manera de vender un producto es vendiéndoselo a los niños. ¿No nos dimos cuenta de que nos estábamos disparando en el pie?
Eso es lo que sentí hace cuatro años, después de años de estar en las trincheras componiendo tanto para virtuosos como para estudiantes. Así que comencé mi columna en NewMusicBox con la intención de que fuera un “llamado a las armas”, por así decirlo. Quería reunir a mis camaradas y hacer que nos comprometiéramos y motiváramos a componer música para aquellos que no tenían habilidades profesionales. Escribí semanalmente durante más de un año. Durante mi mandato recibí comentarios e ideas positivas de muchos lectores. Cuando me fui, sentí que hice mi parte para que se prestara atención a los músicos más jóvenes, los que están ansiosos por probar cosas pero que simplemente no saben tocar todo el “tema difícil” todavía.
Avanzamos rápidamente hasta 2011. Al investigar para este artículo, decidí examinar los inmensos recursos de la Biblioteca de Música en Línea del American Music Center para ver cuánta música podía encontrar que estuviera categorizada como música para jóvenes intérpretes. La biblioteca es como un cofre del tesoro, con más de 50.000 títulos de más de 6.000 compositores que abarcan una amplia gama de estilos musicales actuales. Al final, encontré solo unas 100 piezas de unas 50.000, o el 0,02% de las obras, que se centran en la música para jóvenes intérpretes. ¿No ha cambiado nada?
“Aconsejaría a mis jóvenes colegas, los compositores de sinfonías, que también se acercaran de vez en cuando al jardín de infancia. Allí se decide si dentro de veinte años habrá alguien que entienda sus obras.”—Zoltan Kodaly
¿Por qué sigue habiendo un descuido en la composición para niños? ¿Tiene que ver con nuestra formación como compositores? A la mayoría de nosotros nunca nos enseñaron a componer música para un nivel técnico elemental. En mi propia experiencia, ninguno de mis queridos profesores abordó ni una sola vez los problemas relacionados con la composición para jóvenes intérpretes. Tuve el privilegio de ir a dos escuelas de primer nivel: una universidad y otra un conservatorio. Allí me mostraron todas las posibilidades que pueden ofrecer los instrumentos. Estuve expuesta a la escritura para músicos increíbles, pero nunca me enseñaron a escribir para músicos menos cualificados. Nunca me animaron a componer para un nivel inferior al del músico profesional. Simplemente, se pasó por alto.
Tuve que hacer un pequeño cambio en mi vida para que me diera cuenta de lo que Bach y Bartók sabían sobre la música: los límites crean posibilidades. Como muchos de nosotros, en la escuela de posgrado tuve que aceptar trabajos para ayudar a pagar los gastos de subsistencia. Uno en particular cambió el curso de mi vida como compositor. Mientras hacía mi trabajo de doctorado en Yale, enseñaba piano y dirigía la orquesta en una escuela de música local. Cuando descubrieron que era compositor, una maestra me preguntó si estaría interesada en escribir música para su coro de quinto grado en una escuela primaria local. Dije que sí.
No tenía ni idea de cómo componer algo que fuera factible para niños de 10 años, algo que estuviera dentro de su alcance técnico y que a la vez fuera interesante para mí. Para aprender, decidí convertir el encargo en un proyecto colaborativo, yendo a la escuela y trabajando con los niños en la creación de la pieza que iban a interpretar. Les ayudaba a crear melodías que pudieran cantar, melodías que se convirtieron en la base de mi propia música para ellos. Trabajamos semanalmente durante meses, conociéndonos y conociendo la música. El resultado fue una obra coral que estaba dentro de sus límites técnicos, pero que transmitía mi estilo musical en desarrollo. A los niños les encantó. Además, varios padres de estudiantes querían saber sobre otras piezas musicales que había compuesto, lo que me permitió ganar una base de seguidores con la que nunca me había topado antes. Incluso la profesora estaba tan contenta que comenzó un proyecto anual de encargos a jóvenes compositores para que escribieran para sus conjuntos de estudiantes. Mi primera experiencia componiendo para niños fue satisfactoria tanto en lo compositivo como en lo emocional. Me enganché.
Así que empecé a escribir para estudiantes de piano. Al principio, no había un plan establecido. Mientras me centraba en crear una vida profesional como compositor, al mismo tiempo construí un estudio de enseñanza, centrándome en la enseñanza privada de piano, composición y formación musical. Como parte de su tutela, comencé a componer un dúo para cada uno de mis estudiantes de piano. Con cada uno, personalicé la parte del niño a su nivel técnico y personalidad como intérprete, mientras que utilizaba la parte del profesor para dar cuerpo a una rica textura de sonidos y ritmos que normalmente no se encuentran en los libros de métodos de enseñanza tradicionales. El resultado final fue una colección de piezas que todos los estudiantes estaban encantados de tener. Era música escrita para ellos, acerca de Ellos aprendieron a tocar música para ellos y la aprendieron con gusto. Además, no se limitaron a sus propias obras. Querían probar las piezas de otros estudiantes. Querían probar la música de otros compositores. Así como yo me había vuelto adicta a escribir para niños, mis hijos se volvieron adictos a tocar música contemporánea. Era una situación en la que todos salían ganando.
Fue entonces cuando me di cuenta de que había todo un segmento de músicos para los que realmente no había mucha música nueva disponible. Estos jóvenes instrumentistas eran la base para el futuro de la nueva música. Sus oídos aún no estaban programados, ni sus mentes estaban condicionadas a un conjunto de precedentes históricos. Eran una pizarra en blanco. Sin embargo, casi ningún compositor con mi formación escribía a su nivel.
La noticia sobre mis duetos comenzó a extenderse entre mis compañeros profesores y comencé a recibir solicitudes para componer música para su Estudiantes. Comencé una pequeña industria de composición para los estudios de mis colegas. Durante estos años, mi carrera como compositor "serio" también progresó. Tanto como miembro del Common Sense Composers Collective como a nivel individual, comencé a conseguir conciertos "más importantes" y proyectos innovadores con músicos profesionales. También comencé a buscar proyectos que estuvieran dirigidos específicamente a músicos más jóvenes.
“Cuantas más restricciones nos imponemos, más nos liberamos de las cadenas que encadenan el espíritu.”—Igor Stravinsky
Mi primer encargo importante para niños vino del Conservatorio de Música de San Francisco, donde me contrataron como compositor residente para su Programa de Extensión de Música en las Escuelas. Mi tarea era asesorar a un grupo de estudiantes de magisterio de cuerdas y componer una pieza para un grupo de niños de primaria que habían estado aprendiendo a tocar sus instrumentos durante unos dos meses. Eso significaba que podían tocar “Twinkle, Twinkle, Little Star” y no mucho más. A través del proceso de colaboración con los profesores y los intérpretes, decidí componer una obra basada en las primeras cuatro notas de “Twinkle, Twinkle” y cuerdas al aire. Consistía en patrones que los estudiantes podían dominar fácilmente y que, al alinearse, creaban una pieza musical caleidoscópica posminimalista. Lo que inicialmente parecía un material muy restrictivo en realidad resultó ser un terreno fértil para mi técnica de composición. Me permitió componer una pieza musical que tenía integridad, una que me enorgullecía de nombrar en mi lista de obras.
Así comenzó una nueva faceta de mi vida como compositor: escribir para orquestas juveniles, desde principiantes hasta niveles avanzados. Con cada nuevo proyecto aprendí más sobre los desafíos y las recompensas de escribir para músicos más jóvenes. Componer para principiantes fue lo más difícil, pero también lo más satisfactorio en algunos sentidos. Aprendí que, al escribir para músicos muy jóvenes, un compositor debe destilar su voz hasta su nivel más esencial, eliminando cualquier aditivo superfluo que no sea necesario. Debe encontrar una manera de hacer que su mundo sonoro funcione dentro de un conjunto de paradigmas muy específicos. El estilo de un compositor no importa. Los estudiantes se sumergirán en el mundo sonoro de una pieza indeterminada tanto como en una obra con sabor neorromántico. La clave es crear un espacio en el que los estudiantes puedan tocar dentro de su técnica limitada.
Un compositor europeo que lo ha logrado es György Kurtág. Su libro de piezas para piano, Jatékok (Games), es un excelente ejemplo de cómo los compositores pueden utilizar la notación gráfica para escribir para jóvenes intérpretes. Técnicamente, las piezas se mantienen dentro de patrones sencillos de piano de cinco dedos al tocar notas específicas. Sin embargo, el universo sonoro se abre con elementos de grupos de sonidos, glissandos, rango dinámico y amplias fluctuaciones de tempo. Todas están escritas con una partitura gráfica ideada por Kürtag, que se explica en un apéndice conciso de la colección. Estas piezas permiten a los niños experimentar con sus instrumentos de una manera que normalmente no se les anima a hacer.
En lo que a mí respecta, soy un compositor posminimalista (o al menos eso es lo que me han dicho). Me encanta manipular procesos en los ámbitos melódico, rítmico y armónico. Cuando trabajo con músicos principiantes, creo formas de lograr que mis compensaciones rítmicas y armónicas se produzcan y, al mismo tiempo, sean manejables para un estudiante con poca experiencia. Un ejemplo son mis duetos de piano, El Ellaphant de Owen . La parte de Primo es para un pianista principiante. Hay patrones recurrentes, todos dentro de la misma posición de piano de cinco dedos. Sin embargo, se cortan fragmentos de los patrones y se yuxtaponen entre sí. Todo esto ocurre en la parte de Secondo, escrita para un profesor o un estudiante más avanzado. Esa parte contiene la mayor parte de las manipulaciones que hago con la armonía y los ritmos.
Han pasado casi 20 años desde que compuse mi primera pieza para estudiantes de música. En ese momento, decidí analizar lo que había compuesto hasta el momento, evaluar mis fortalezas y debilidades y mi contribución al gran esquema de las cosas. Al hacerlo, me di cuenta de que todavía hay un ámbito que considero que aún debe abordarse para los estudiantes de música: la música contemporánea solista para jóvenes instrumentistas.
Al recordar los duetos que había compuesto para mis alumnos, decidí utilizar un enfoque similar para emprender un nuevo proyecto, destinado a abordar la necesidad de música para jóvenes solistas. Música a medida , la serie es una colección de libros escritos para diferentes instrumentos, con el objetivo de personalizar la música para que explore de manera efectiva las posibilidades de cada instrumento dentro de un nivel técnico que se necesita en el repertorio del instrumento. Cada libro comienza con mi selección como editor de un músico/profesor líder del instrumento en el que se centra el libro. Luego me reúno con el músico elegido y recibo comentarios sobre las lagunas existentes en el repertorio de enseñanza, con respecto a la nueva música. Una vez que he compuesto borradores, el intérprete y yo trabajamos para refinar las piezas, asegurándonos de que el nivel técnico sea apropiado para el objetivo seleccionado. Luego, el proceso se lleva al siguiente nivel cuando los estudiantes del editor prueban la música y brindan comentarios sobre la facilidad de ejecución de las piezas. Además, la música también se envía a otros profesores del instrumento elegido para comentarios adicionales. El resultado es una colección de música instrumental de estudiantes que se ha compuesto y refinado en un entorno colaborativo, específicamente adaptado a las necesidades del nivel técnico del instrumento para el que está escrito el libro.
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Para comenzar esta serie, PRB Productions ha publicado recientemente el libro insignia llamado Música hecha a medida: 12 piezas para dúo de piano (Edición PRB No. ED007). Es una recopilación de los dúos que compuse para mis propios alumnos y los de otros profesores. El segundo libro que se publicará es Música hecha a medida para piano solo . Para crear este libro, trabajé con la reconocida pianista Teresa McCollough en la creación de una colección de piezas cortas para piano de nivel intermedio que abordan la necesidad de música adecuada para concursos y recitales. Actualmente estoy componiendo el libro. Música hecha a medida para clarinete Mi editor es el intérprete/profesor Jeff Anderle, miembro del dúo de clarinete bajo SQWONK y también miembro del cuerpo docente del Conservatorio de Música de San Francisco. En nuestra reunión inicial, Jeff señaló que el repertorio para clarinete carece de música para el clarinetista de nivel intermedio avanzado. Sin embargo, a diferencia del piano, el conjunto de obras del clarinete necesita una amalgama de combinaciones instrumentales: obras para clarinete solista, dúos de clarinete que puedan ser interpretados por el alumno y el profesor, y piezas para clarinete/piano adecuadas para recitales. Por lo tanto, el libro de música para clarinete estará compuesto por dos piezas para clarinete solista, dos piezas para dúo de clarinete y dos piezas para clarinete/piano. Las próximas colecciones de la serie están previstas para guitarra clásica, flauta y violonchelo. Entre los editores invitados destacados se encuentran los intérpretes/profesores David Tanenbaum, Esther Landau (flauta) y Tanya Tomkins (violonchelo).
“Tomémonos en serio a nuestros hijos. Todo lo demás se desprende de esto... sólo lo mejor es lo suficientemente bueno para un niño.”—Zoltan Kodaly
Es cierto que organizaciones como el American Music Center, el American Composers Forum y Meet The Composer están dando dinero y validación para quienes se dedican a componer para conjuntos amateurs. Asimismo, hay algunos compositores clásicos que han integrado con éxito la escritura para conjuntos de estudiantes más jóvenes en su vida profesional. Conozco a uno, Frank Ticheli, que ha escrito numerosas piezas para bandas de secundaria y, al mismo tiempo, ha acumulado una considerable colección de obras para conjuntos de clase mundial. Es profesor en la USC y su nombre es conocido tanto por la escena de la música clásica profesional como por los jóvenes intérpretes, como descubrí cuando enseñaba a uno de mis propios estudiantes. Sin embargo, él es la excepción, no la regla. Miro hacia atrás en mi propia formación como pianista, violinista y flautista y me doy cuenta de que mi amor por la música clásica comenzó al tocar obras compuestas por compositores como Bach, Mozart, Chopin y Beethoven. Todos ellos escribieron música accesible a los límites de un estudiante intérprete sin comprometer su calidad. Fue muy satisfactorio aprender un Trío de Haydn y luego también escuchar una de sus sinfonías. La sencillez no significa simplista. De hecho, es un arte poder tomar una idea y presentarla de una manera accesible para los jóvenes. Creo que nuestro arte necesita más de este enfoque. Lo tenía y puede volver a tenerlo.
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